El juicio de Paris de Peter Paul Rubens: el arte de seducir con la belleza

¿Te imaginas ser el encargado de elegir a la mujer más hermosa del mundo? ¿Y que tu decisión desencadene una guerra que cambiará el destino de la humanidad? Eso es lo que le pasó a Paris, el príncipe troyano que protagoniza una de las escenas más famosas de la mitología griega. Y también es lo que nos muestra Peter Paul Rubens, el genial pintor flamenco, en su obra maestra ‘El juicio de Paris’.

En este artículo, te voy a revelar todos los secretos de esta pintura, que es mucho más que un simple retrato de la belleza femenina. Te voy a contar el contexto histórico y artístico en el que se creó, el análisis técnico de su composición y su colorido, la iconografía de sus personajes y sus símbolos, y las restauraciones y modificaciones que ha sufrido a lo largo de los siglos. Al final, te darás cuenta de que ‘El juicio de Paris’ es una obra de arte que seduce, que emociona y que invita a la reflexión. ¿Estás preparado para descubrirlo? ¡Sigue leyendo!

Contexto histórico y biográfico: un pintor en la corte de los reyes

Peter Paul Rubens fue uno de los artistas más influyentes y prolíficos del siglo XVII. Nacido en 1577 en la ciudad de Siegen, en el actual Alemania, se trasladó con su familia a Amberes, en los Países Bajos españoles, cuando tenía 10 años. Allí se formó como pintor y aprendió las técnicas del Renacimiento italiano, que luego perfeccionó en sus viajes por Italia, España y Francia.

Rubens fue un pintor de corte, que trabajó para los reyes más poderosos de Europa, como Felipe IV de España, Carlos I de Inglaterra o María de Médici de Francia. Su estilo se caracteriza por el uso de colores vivos y contrastados, el movimiento y la expresividad de sus figuras, y la representación de temas mitológicos, religiosos e históricos, con un gran sentido del drama y la teatralidad.

‘El juicio de Paris’ es una de sus obras más conocidas y admiradas, que realizó en 1636, cuando tenía casi 60 años y estaba en la cima de su fama y su fortuna. La pintura fue un encargo del rey Felipe IV de España, que la quería para decorar el Salón de los Espejos del Alcázar de Madrid, junto con otras obras de Rubens y de otros pintores como Velázquez o Tiziano.

Temática: el arte de la mitología

El tema de ‘El juicio de Paris’ es uno de los episodios más populares de la mitología griega, que se narra en la Ilíada de Homero y en otras fuentes clásicas. La historia cuenta que, en la boda de Peleo y Tetis, los padres de Aquiles, la diosa de la discordia, Eris, lanzó una manzana de oro con la inscripción “para la más bella”. Tres diosas reclamaron el premio: Hera, la esposa de Zeus y diosa del matrimonio; Atenea, la hija de Zeus y diosa de la sabiduría y la guerra; y Afrodita, la diosa del amor y la belleza.

Para resolver el conflicto, Zeus encargó a Paris, el hijo del rey Príamo de Troya, que eligiera a la más hermosa. Las tres diosas se presentaron ante él desnudas y le ofrecieron distintos regalos: Hera le prometió el poder sobre Asia; Atenea, la victoria en todas las batallas; y Afrodita, el amor de la mujer más bella del mundo, Helena, la esposa del rey Menelao de Esparta. Paris se dejó seducir por Afrodita y le entregó la manzana, lo que provocó la ira de las otras dos diosas y el inicio de la guerra de Troya, que duró diez años y terminó con la destrucción de la ciudad.

La escena del juicio de Paris fue muy representada en el arte desde la antigüedad hasta la época moderna, por artistas como Rafael, Tiziano, Rubens o Renoir. Cada uno de ellos interpretó el episodio de forma diferente, según su estilo, su época y su intención. Rubens, por ejemplo, le dio un enfoque sensual y dinámico, que refleja su admiración por la belleza femenina y su interés por la mitología como fuente de inspiración.

Análisis: la maestría de la composición y el color

‘El juicio de Paris’ es una pintura al óleo sobre lienzo, que mide 199 x 379 cm. Su tamaño es impresionante, ya que ocupa casi toda una pared. Su formato es horizontal, lo que le permite crear una composición equilibrada y armoniosa, basada en la disposición de las figuras y los elementos en el espacio.

La obra se divide en dos partes: la parte terrenal, donde se desarrolla la acción, y la parte celestial, donde se observa el paisaje. La parte terrenal ocupa la mayor parte del lienzo y se organiza en torno a un triángulo imaginario, cuyo vértice superior es la manzana de oro y cuyos vértices inferiores son los pies de Paris y de Afrodita. Este triángulo crea una sensación de estabilidad y de orden, que contrasta con el movimiento y la expresividad de las figuras.

Las figuras son de tamaño natural y están representadas con un gran realismo y una extraordinaria habilidad. Rubens muestra su dominio del dibujo, la anatomía, la perspectiva y el claroscuro, que crea efectos de luz y sombra que acentúan el volumen y la profundidad. Las figuras se relacionan entre sí mediante gestos y miradas, que transmiten sus emociones y sus intenciones.

El color es otro de los elementos más destacados de la obra. Rubens utiliza una paleta de colores vivos y variados, que crean un contraste entre los tonos cálidos y los tonos fríos. Los tonos cálidos predominan en la parte terrenal, donde se ven los rojos, los naranjas y los amarillos, que simbolizan el amor, el deseo y la pasión. Los tonos fríos predominan en la parte celestial, donde se ven los azules, los verdes y los violetas, que simbolizan la naturaleza, la calma y la distancia.

Iconografía: desmontando el cuadro

La obra de Rubens está llena de significados ocultos, que se revelan a través de la iconografía, es decir, el estudio de los símbolos y las imágenes que identifican a los personajes y los conceptos. Rubens se basó en las fuentes clásicas, pero también añadió su propia interpretación y su propia visión.

Los personajes principales son los cuatro que aparecen en el centro de la composición: Paris, Hera, Atenea y Afrodita. Cada uno de ellos se distingue por sus atributos y sus rasgos físicos.

Paris es el joven que está sentado en el suelo, vestido con una túnica roja y una corona de laurel. Su postura es relajada y confiada, y su mirada es directa y decidida. Su atributo es la manzana de oro, que sostiene en su mano derecha, y que representa el premio y el juicio. Paris es el símbolo del hombre que se deja llevar por la belleza y el placer, sin pensar en las consecuencias.

Hera es la mujer que está de pie a la izquierda de Paris, vestida con una túnica blanca y un manto azul. Su postura es rígida y orgullosa, y su mirada es severa y desafiante. Su atributo es el pavo real, que está a sus pies, y que representa el poder y la majestad. Hera es el símbolo de la mujer que se cree superior y que pretende imponer su voluntad.

Atenea es la mujer que está de pie a la derecha de Paris, vestida con una armadura y un casco. Su postura es firme y guerrera, y su mirada es inteligente y calculadora. Su atributo es la lanza, que apoya en el suelo, y que representa la sabiduría y la guerra. Atenea es el símbolo de la mujer que usa la razón y la estrategia para conseguir sus objetivos.

Afrodita es la mujer que está tumbada en el suelo, frente a Paris, desnuda y cubierta por un velo transparente. Su postura es sensual y provocativa, y su mirada es dulce y seductora. Su atributo es el niño alado que está a su lado, que es Eros, su hijo y el dios del amor, que le ayuda a conquistar a Paris. Afrodita es el símbolo de la mujer que se vale de su belleza y su encanto para enamorar.

Los personajes secundarios son los que aparecen en los extremos de la composición: Mercurio, las ninfas y los sátiros. Cada uno de ellos tiene una función y un significado.

Mercurio es el hombre que está en el ángulo superior izquierdo, vestido con una túnica azul y unas sandalias aladas. Su postura es activa y dinámica, y su mirada es curiosa y divertida. Su atributo es el caduceo, el bastón con dos serpientes entrelazadas, que lleva en su mano izquierda, y que representa el comercio y la comunicación. Mercurio es el mensajero de los dioses, que preside el juicio y que anuncia el resultado.

Las ninfas son las mujeres que están en el ángulo superior derecho, desnudas o semidesnudas, rodeadas de flores y frutos. Sus posturas son variadas y graciosas, y sus miradas son alegres y juguetonas. Sus atributos son los elementos de la naturaleza, que representan la fertilidad y la abundancia. Las ninfas son las compañeras de Afrodita, que celebran su triunfo y que invitan al espectador a participar de su fiesta.

Los sátiros son los hombres que están en los ángulos inferiores, vestidos con pieles de animales, con cuernos y patas de cabra. Sus posturas son grotescas y cómicas, y sus miradas son lujuriosas y maliciosas. Sus atributos son los instrumentos musicales, el vino y las uvas, que representan la diversión y el desenfreno. Los sátiros son los seguidores de Dioniso, el dios del vino y la fiesta, que contrastan con la solemnidad y la seriedad del juicio.

Historial de la obra

‘El juicio de Paris’ es una obra de arte que ha sufrido varias restauraciones y modificaciones a lo largo de su historia, que han alterado su aspecto original y que han revelado algunos datos interesantes.

La primera restauración se realizó en 1668, cuando la pintura se trasladó del Alcázar de Madrid al Palacio del Buen Retiro, después de que el primero sufriera un incendio. En esa ocasión, se recortó el lienzo por los cuatro lados, eliminando parte del paisaje y de las figuras de los sátiros. Se desconoce el motivo de este recorte, pero se cree que pudo ser para adaptar la obra al nuevo espacio o para eliminar los elementos más obscenos.

La segunda restauración se realizó en 1819, cuando la pintura se incorporó al Museo del Prado, donde se conserva actualmente. En esa ocasión, se limpió el lienzo y se recuperó el color y el brillo originales. También se descubrió que la obra tenía una firma y una fecha en el ángulo inferior derecho, que decían “P.P. Rubens. 1639”. Sin embargo, se comprobó que esa firma y esa fecha eran falsas, y que habían sido añadidas posteriormente por otro pintor, quizás para aumentar el valor de la obra. La fecha real de la obra es 1636, según los documentos históricos.

La tercera restauración se realizó en 2007, cuando la pintura se sometió a un estudio técnico y científico, que permitió conocer mejor su proceso de creación y su estado de conservación. En esa ocasión, se usaron técnicas como la radiografía, la reflectografía infrarroja o la fluorescencia de rayos X, que revelaron detalles sorprendentes. 

Por ejemplo, se descubrió que Rubens había hecho varios cambios en la composición, como la posición de la mano de Paris, el gesto de Afrodita o el tamaño de la manzana. También se observó que la obra tenía varias capas de pintura, que indicaban que Rubens había contado con la ayuda de sus colaboradores, que eran los encargados de pintar el fondo y los detalles, mientras que él se reservaba las figuras principales.

Conclusión de El juicio de Paris de Peter Paul Rubens

Como has visto, ‘El juicio de Paris’ es una obra de arte que tiene mucho que ofrecer. No solo es una muestra del talento y la maestría de Rubens, sino también una representación de una historia fascinante y de unos personajes inolvidables. 

Es una obra que combina la belleza y la sensualidad, el drama y la comedia, el orden y el caos, el pasado y el presente. Es una obra que nos invita a admirar y a disfrutar, a sentir y a pensar, a participar y a juzgar.

Ahora que conoces todos sus secretos, te animo a que la visites en el Museo del Prado, o que la busques en Internet, y que la observes con atención y con curiosidad.

Te aseguro que no te dejará indiferente. Y tú, ¿a quién le darías la manzana?